UNA GALA INOLVIDABLE CON EL DEBUT QUE FALTABA (¿LA SOLISTA O EL DIRECTOR?)

Mozarteum Argentino: Actuación de la Orchestra dell’ Accademia Nazionale di Santa Cecilia (Roma, Italia), Director: Sir Antonio Pappano. Solista: Beatrice Rana (Piano), Daniele Rossi (Órgano) Programa: Giuseppe Verdi: Sinfonía de la Opera “Luísa Miller”, Piotr Illich Tchaicovsky: Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sí bemol menor, op. 23, Camille Saint –Säens: Sinfonía Nº 3 en Do menor, Op.78 “Con Órgano”. Teatro Colón, 11 de Mayo de 2016.

   Luego del fallido que resultó la polémica tercera actuación en Ntro. medio de Joyce Di Donato, volvió el Mozarteum de las grandes realizaciones,   patrocinando una nueva visita,  después de muchos años,  de la Orchestra dell’ Accademia  Nazionale di Santa Cecilia de Roma, la que después de sus anteriores presentaciones con Daniele Gatti , y mucho  tiempo antes con Lorin Maazel, lo hizo ahora bajo el mando de Sir Antonio Pappano, quien desde hace diez años  ostenta la titularidad del organismo. Debemos decir una vez mas que gracias al Mozarteum, hemos podido apreciar a una figura  de primer nivel internacional, de las que faltaba una presentación en el escenario del Colón, al que ahora le cabe la responsabilidad de convocarlo para alguna producción operística. Si para tal fin  se pudo  lograr el concurso de Riccardo Muti (Por suerte, ya que desde el año pasado hace ópera solamente  como el último Toscanini, es decir, en versión de concierto), es muy plausible lograrlo con Pappano, mas allá que su agenda esté a tiempo completo y que se deban esperar para ello algunos años. Por ahora el público “Colonero”,  le agradece al Mozarteum el que lo hayamos podido conocer y disfrutar en Concierto.

  En merito del Director Británico ( de ascendencia Italiana), debo decir que en estos diez años supo  mantener la calidad incuestionable del organismo, al que luego de haberlo  escuchado, como también lo hice con la Orquesta del Teatro Alla Scala di Milano, no dudo en decir que es hoy por hoy la mejor Orquesta de la Península. Cuerda de Excepción, buenos vientos y bronces y notable y equilibrada sección de percusión, para que el resultado de la velada haya sido de una formidable calidad.

  La apertura fue con una maravillosa versión de la “Sinfonía” (Obertura) de “Luisa Miller”, acaso una de las mas hermosas partituras que Giuseppe Verdi escribiera para un pleno lucimiento de la Orquesta. Pappano trazó,  a partir de la decisiva intervención de las cuerdas, una exquisita filigrana de  sonido transparente y pleno de belleza. El resto del conjunto mostró solvencia y cohesión. Tal vez desde la concertación por parte de Renato Palumbo de la “Maledetta”, que yo no escuchaba un Verdi expuesto con tanta claridad.

  Y luego,  el deslumbramiento. Anoten este nombre: Beatrice Rana (Casi como cuando “Il Postino” decía Beatrice Russo). 23 años. Hace 5 que lograba la “Competencia de Montreal”,  y hace 3 Medalla de Plata y Premio del Público en la competición “Van Cliburn”. Además de Pappano,  ya ha sido dirigida por Mehta, Pinnock, Nezet-Seguin, Slatkin, Luísi y los Sud-Americanos Orozco Estrada y Harth Bedoya, entre Otros. Hay pasta, talento, muy buena técnica y una fuerte personalidad, como para acometer una obra harto conocida y magistralmente difícil,  y  demostrar la capacidad de lograr una versión que no pasó para nada desapercibida. Tuvo la  inteligencia para dar su toque personal, dar un “tempi” distinto en el momento justo, logar plena sonoridad que no significa “aporreo” y una profundidad absoluta a su intervención. A la par, Pappano hizo un acompañamiento magnífico.  Dio el punto justo de sonoridad a la agrupación y,  entre ámbos,  lograron un momento verdaderamente arrollador en la exposición de la coda.

   La previsible ovación que desató semejante actuación, tuvo su retribución en una transcripción de Franz Liszt de un momento de Robert Schumann, expuesto de manera exquisita.  Vuelvo a repetir, y creo no equivocarme, anoten este nombre: Beatrice Rana.

  La segunda parte encontró a un Pappano a gusto en la  intensa interpretación de la Sinfonía “Con Órgano” de Camille Saint-Säens,  en donde Daniele Rossi, profesor de su instrumento en la “Accademia” y solista de vasta trayectoria internacional, se nos mostrara en magnífica forma, acentuando pasajes a través de sus intervenciones en el primer movimiento, con momentos de sutileza y exquisitez.,  logrando Pappano luego , de todo el conjunto,  un arrollador discurso en el segundo,  con una coda vibrante que logró el reconocimiento unánime  de todos los asistentes.

 

  Para el primer bis, Pappano demostró conocer la importancia de la plaza de Buenos  Aires, al manifestar que sabía de la predilección del público por Puccini , y de la recordada estancia de Maestro en Ntra. Ciudad en 1905 (de hecho fui testigo a posteriori del momento en que Daniel Varacalli Costas [Jefe de Publicaciones del Colón] le entregó un ejemplar del libro que escribiera con mi querido colega Gustavo Otero, sobre esa visita ,y la historia de la  composición del himno “Dios y Patria” que el Director Británico recibió con profundísimos interés y agradecimiento), regalándonos una exquisita versión del intermezzo de “Manón Lescaut”,  para luego cerrar con gran alegría la noche con la parte final de la “Danza de las Horas” de “La Gioconda” de Ponchielli,  en una versión sencillamente para el recuerdo. Entonces, ¿Cuál de los debuts era el que faltaba?. La respuesta es: Los dos, sin duda.

Donato Decina 

CON UNA NACIONAL RENOVADA, REABRIO SUS PUERTAS “LA BALLENA AZUL”

Orquesta Sinfónica Nacional: Concierto de apertura de temporada oficial dentro del ciclo “Mayo, Experiencia acústica”, Director Invitado: Stefan Lano. Solistas: Enrique Folger (Tenor), Leonardo Estévez (Barítono). Coro Polifónico Nacional, Director: Darío Marchese. Programa: Alberto Ginastera: Variaciones Concertantes, Op. 23. Bela Bartok: “Cantata Profana Die Zauberhirsche”, Sz. 94, Richard Strauss: “Así Hablaba Zarathustra”, Poema Sinfónico, Op. 30. Centro Cultural Kirchner, Sala “La Ballena Azul”, 04 de Mayo de 2016.

  De acuerdo a lo oportunamente anunciado por el Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos (Cuyo Titular, Hernán Lombardi,  se hizo presente en el Concierto, como  así también, el Titular de la Dirección Nacional de Expresiones Federales,  Gustavo Mozzi,  y no , en cambio, el Ministro de Cultura,  Pablo Avelluto), en la fecha pautada del 4 de Mayo, luego de un proceso de ajustes acústicos y de finalización de trabajos pendientes en el aspecto edilicio, reabrió sus puertas dentro del Centro Cultural Kirchner,   su sala “La Ballena Azul”, como así también se nos proveyó de la correspondiente información respecto de las actividades pautadas,  no solo en esa sala, sino también en las otras dos (de Honor y la Argentina). Lo que sí es preciso decir, es que el Organo Opus 1912 que corona a la gran sala, se halla en pleno proceso de ajuste final, por lo que lamentablemente en “Así hablaba Zarathustra” se debió recurrir al órgano eléctrico. Esperemos una nueva repetición de la obra para el momento de la rehabilitación del órgano tubular,  y poder por fin apreciar en toda su dimensión a semejante monumento de la música sinfónica.

  Luego del sonado episodio de demora en el pago de su cachet del concierto del año anterior, Stefan Lano fue nuevamente convocado a dirigir a la Sinfónica, por lo que se infiere que se ha regularizado esa situación,  y se le garantizó el cachet de esta nueva. El programa elegido abarcó el inicio de los homenajes a Alberto Ginastera en el año del centenario de su natalicio,  y dos obras de tamaña importancia, la poco frecuentada entre Ntros. “Cantata Profana” de Bela Bartok,  y la ya mencionada “Así Hablaba Zarathustra” de Richard Strauss. Como se ve, obras harto comprometidas para demostrar las condiciones de los dos conjuntos. No olvidemos que el Polifónico también tiene su sede en el mismo edificio,  y utilizará también “La Ballena” en la mayoría de sus presentaciones.

  En esta “reentree”, la Nacional presentó a gran parte de sus nuevos integrantes, quienes fueron seleccionados mediante concursos abiertos. Realmente la sorpresa provino en la selección de solistas de instrumentos en algunos de los sectores sobre los que llamé la atención en mis crónicas de los dos últimos años en este blog. Así entonces, he visto nuevo solista de trompeta, nuevos interpretes solistas en la fila de flautas (por fallecimiento del solista titular y baja de su suplente), nuevos percusionistas, nueva tuba solista y, lo mas importante, la presentación de Xavier Inchausti como nuevo segundo concertino titular.

  El comienzo con las “Variaciones Concertantes”, nos mostró justamente que esa selección de nuevos solistas no pudo haber sido mejor realizada y, paradójicamente, resultó lo mejor que ofreció la velada, ya que las intervenciones de estos instrumentistas, mas los ya veteranos en Violoncello, Viola, Contrabajo,  Arpa, Oboe y Clarinete, fueron de magnífica expresividad, llegando a un punto de mucha emotividad en cada una de ellas. Pero tanto en el “Tutti” orquestal del final, como en gran parte de “Asi Hablaba Zarathustra”, chocamos con un Stefan Lano que,  si bien es un excelente preparador, no alcanza a transmitir todos los sentimientos, expresividades e intensidades que ambas obras de punta del concierto tienen, por lo cual, uno quedó con ganas de mucho mas, máxime con todo lo que ahora la Nacional es capaz de brindar,  y que el ajuste que se esta haciendo en la sala ya es mas notorio,  y la agrupación se lució,  brindando momentos magníficos con un sonido realmente brillante. El solo de Xavier Inchausti en la obra de Strauss fue de una transparencia de sonido  verdaderamente sublime, como jamás lo escuché en versión de una orquesta Argentina.

  En el centro tuvimos una obra a pedir del Director Norteamericano. La “Cantata Profana”, que fue muy correctamente ofrecida. La Orquesta tuvo momentos de excelencia, pero la versión tropezó con un muy dubitativo comienzo de intervención por parte del Coro Polifónico Nacional, al que evidentemente le pesó el manejo del idioma Húngaro, tema que se fue solucionando sobre la marcha de la interpretación. La Obra, basada en un poema rumano,  trata sobre un padre que se dedica a la cacería, lleva a sus hijos a una partida y, ya en el bosque, los jóvenes se mimetizarán dentro de la foresta. Al descubrir la falta de estos, el Padre comenzará una desesperada búsqueda, hasta que una voz, que reconocerá como la de su hijo mayor, surge entre el follaje para decirle que ellos (los hijos) quedarán allí, será imposible regresar, volver a ver a la madre, en fin,  no habrá ya mas vida terrena para ambos. El Coro lleva la narración, el tenor es la voz del hijo mayor y el barítono la del atormentado cazador. Enrique Folger tuvo una correcta intervención. En algunos momentos debió esforzarse al máximo para los instantes de mayor dramatismo de la partitura, empero, salió airoso del desafío. A la luz de lo escuchado la noche anterior en el Colón con respecto a Schönberg a y a Ferneyhough, ¿no hubiese sido mejor una voz de registro mas lírico y flexible, que hubiera llegado con mas comodidad a esos pasajes?. En cambio Leonardo Estévez se movió con mayor soltura,  y expresó su rol con total convicción.

  En el balance general, entonces,  encontramos a una Orquesta renovada, un Coro que supo atravesar el inconveniente inicial para culminar su actuación en el nivel al que nos tiene acostumbrados y, como de costumbre, en Stefan Lano a un buen  preparador. Ojalá que en los próximos conciertos, con interpretes de mayor vuelo en programas del mismo nivel de compromiso, confirme la muy buena impresión que la Nacional dejó en esta labor.

Donato Decina

UNA  GLORIOSA APERTURA AL SONIDO

Colón Contemporáneo: Actuación del Cuarteto Arditti y Claron Mc Fadden (Soprano). Programa: Brian Ferneyhough: Cuartetos Nºs.3 y 4 (Con Soprano). Arnold Schönberg: Cuarteto Nº 2, Op. 10 (Con Soprano). Teatro Colón, 03 de Mayo de 2016.

 Que en los últimos tiempos el “Colón Contemporáneo”  es uno de los puntales fundamentales de  la programación de Ntro. primer Coliseo, no es ninguna novedad. Que en este año, una de las primeras actividades haya sido una vez mas la presencia del cuarteto Arditti, es un logro que resalta aún mas la categoría de la programación que integra el ciclo. Y si le sumamos la revelación que terminó siendo la actuación de la Soprano Estadounidense Claron Mc Fadden, el éxito ha sido completo. Pocas veces se ha escuchado una voz tan cristalina, tan bien trabajada, con una técnica y emisión irreprochables, capaz de transitar desde el mas mínimo murmullo hasta el agudo mas elevado, declamar, transmitir, todo al servicio de dos partituras complejas, las cuales exigen mucho a la voz,  y Ella lo hace con magnífica categoría. Tal vez su trabajo casi continuo en repertorio  barroco, le permite hacerlo con semejantes frescura y flexibilidad. Y junto a Mc Fadden, ese instrumento perfecto que es el Cuarteto Arditti, que no decae en ningún momento, que trabaja las sonoridades de Brian Ferneyhough como pocos pueden hacerlo,  y de ahí ir a Schönberg (casi como volver a la fuente) y hacerlo en igual nivel .

  La sensación que he tenido en ambos cuartetos de  Ferneyhough, es la de un hombre que busca permanentemente un timbre sonoro desde el cual parte, va disgregando el sonido, lo proyecta, lo eleva  para luego descender, a veces alocadamente, en otras conscientemente y allí en el segundo de los cuartetos abordados, la necesidad de la voz para que como una instrumentista mas refrende en canto y palabras lo que los instrumentos proyectan. Sin dudas una experiencia que resulta fascinante.

  En Schönberg, nos encontramos ante una bisagra. Ya se insinúa la ruptura con la tradición, y aquí el Arditti nos mostró su versatilidad para abordar una obra del finales del Post-romanticismo, que entra casi como pidiendo permiso casi al dodecafonismo, con la misma calidad que en las anteriores de Ferneyhough.  Y si le sumamos lo anteriormente expuesto  con el aporte vocal de Mc Fadden, el resultado es la excelencia absoluta y el goce para los oídos es el máximo, por lo que redondeamos una noche verdaderamente inolvidable.

Donato Decina

DECEPCION Y FASTIDIO

Mozarteum Argentino: Primer Concierto de la Temporada 2016. Actuación de la Mezzosoprano Joyce Di Donato. Al Piano: Craig Terry. En programa: Obras de Luna, Ravel, Rossini, Granados,  Häendel, Giordani, Pergolesi y  Rosa. Teatro Colón, 19/04/16.

  Mas allá de la muy interesante programación, en cuanto a nombres rutilantes y obras programadas, por parte del Mozarteum Argentino,  el balance de la actuación de Joyce Di Donato en el Concierto de apertura me dejó la doble sensación de decepción y fastidio. Decepción, porque defraudó la expectativa que uno tenía sobre todo con las obras que Ella decidió frecuentar, fundamentalmente Ravel (Sheherazade), Luna (de España Vengo), Granados (Tres tonadillas de “La Maja Dolorosa”), Häendel (Lascia ch’io pianga de “Rinaldo”), Tres Arias Antiguas (Caro mio Ben de Giordani, la celebérrima Se tu m’ami de Pergolesi y Star Vicino de Salvatore Rosa) y dos Rossini que son “caballitos de batalla” de su repertorio: “Bel Raggio Lusinghier” de Semirámide y Tanti Affetti in tal Momento de “La Donna del lago”. Y fastidio, porque las arias antiguas anunciadas, fueron abordadas en un arreglo del pianista acompañante Terry en tiempo de Jazz, sin que mediase explicación alguna y en donde en todo caso parecía algo así como un “paso de comedia musical” , dejando a las explicaciones del programa de mano,  que las tomó como si se abordaran en versión real, virtualmente pagando ante el público, mas allá  de que evidentemente gran parte de la asistencia lo tomó como una humorada y en consecuencia la ovacionó , sin medir a mi juicio, las serias consecuencias que esa “humorada” podrían haber tenido, ya que hacerlo de esa manera jugó contra la natural expectativa que el avezado espectador tenía, máxime, cuando abordó en recitales anteriores ese repertorio de manera “seria” y había resultado un deleite. Decepción, porque tanto el inicio con el “De España Vengo” de “El Niño Judío” de Luna y las dos primeras canciones de “Sheherazade” de Ravel, fueron hechas partitura en mano y totalmente fuera de estilo, llegando a veces a gritar en varios pasajes. Solo en el tercer número de la segunda obra pudo lograrse algo del clima de intimidad que el maravilloso trabajo de Ravel tiene, y aquí, se notó la mano, el oficio y la técnica de Craig Terry, el que resultó un gran acompañante.

  Lo mismo debe decirse para la segunda parte, con una insípida versión (también con partitura), de Tres tonadillas de “La Maja Dolorosa” de Enrique Granados y el desaguisado de las tres arias antiguas. Nos quedan entonces, una ahí sí muy buena versión de “Lascia ch’io Pianga” de Rinaldo de Häendel, en donde mostró que sigue plenamente vigente en ese repertorio, tanto por emisión, dicción y estilo,  y las dos arias Rossinianas con las que cerró ambas partes del  recital: “Bel Raggio Lusinghier” de “Semirámide” y “Tanti Affeti in tal momento” de “La Donna del Lago”,  en donde hizo valer su categoría en ese repertorio. Si a ello sumamos tres bises de factura impecable, todos ellos de música popular americana, cerrando con su ya clásica versión de “Out of The Rainbow” de “El Mago de Oz”, tenemos una cabal idea de lo flojo y hasta mezquino que resultó el recital. Eso sí, en todo momento compensó el déficit, con mucha simpatía, elegancia para conducirse y caminar el escenario casi como una notable “relacionista pública”, compartiendo dicho calificativo  con el pianista Terry, el que también derrochó en todo momento la misma elegancia, pero que de ninguna manera alcanzó para mitigar, la decepción y el fastidio que Yo ya tenía a esa altura de la noche.

Donato Decina

TENDRAS EL DIRECTOR QUE TE MERECES

“Nuova Harmonía”: Actuación de la Orquesta Sinfónica Estatal de Siberia, Director: Vladimir Lande. Solista: Xiayin Wang (Piano). Programa: Mikhail Glinka: Obertura de la Opera “Ruslan y Ludmila”. Serguei Rachmaninoff: Concierto para Piano y Orquesta Nº 2 en Do menor, Op. 18. Nikolai Rimsky-Korsakoff: “Scheherazade”, Suite Sinfónica Op.35. Teatro Coliseo, 22 de Abril de 2016.

  Si bien una vez mas el ya inefable Vladimir Lande reapareció entre Ntros. (bravo su por su Agente Artístico), con todo lo que ello significa (versiones carentes de vuelo, pasadas por la lavadora y centrifugadora), y del que ahora vemos en su “Currículum” que esta desarrollando una serie de Videos para el sello “Naxos”, mi curiosidad pudo mas,  ya que al anuncio inicial de temporada por parte de “Nuova Harmonía” en el sentido de que vendría al frente de la “Sinfónica de San Petersburgo” (una vez mas explico que este organismo no es el que viniera en 1987 al Colón de la mano del muy competente director Ruso Alexander Dimitriev, sino que por el contrario es un conjunto que actúa con el mismo nombre,  similar a la Homónima de Berlín que actuara en el Obelisco y en el Festival de Ushuaia, es decir,  orquestas de alquiler con orgánico instrumental sumamente comprimido [ y por supuesto costo reducido de contratación respecto a Orquestas de mayor fama] que realizan temporadas mayoritariamente en giras internacionales,  y unos pocos conciertos en el lugar de origen. Los Rusos lo hacen en un palacio de la época de los Zares), una nueva comunicación rectificativa de la información anunció que lo haría ahora al frente de la Sinfónica Estatal de Siberia, un organismo nacido en 1977 en la entonces U.R.S.S.,  y que desde la caída de la “Churchilliana” “Cortina de Hierro” (según semblanza de presentación en el programa de mano), acrecentó su reputación para ser nombrada Orquesta Estatal en tiempos de Boris Yeltsin,  y ya en tiempos de Vladimir Putin, Patrimonio Cultural Ruso, de la que Lande fue nombrado titular desde al año pasado. Se mantuvo si, a la solista originalmente prevista,  la China Xiayin Wang,  y la obra que abordaría (nada menos que el segundo para Piano de Rachmaninoff). También se prestó a confusión el anuncio que la entidad organizadora efectuara en la contratapa del Concierto de Angelika Kirschlager, en el que rezaba que en la segunda parte de esta velada interpretarían la “Segunda Parte (valga la redundancia) de Scheherazade” ¿?, lo que en la gacetilla rectificativa vino desmentido, ya que ahí si se anunció la versión completa como corresponde (dudo que la gente de “Nuova Harmonía” lo haya puesto “per se”, máxime cuando se trata de un grupo en gira con prácticamente dos programas para ir alternando, entonces, ¿Quién informó incorrectamente lo primero?). Por lo tanto, un organismo que al menos en los papeles garantizaba buen sonido y disciplina de conjunto “Alla Rusa”, del que uno quería saber como reaccionaría a las indicaciones del nuevo Director Titular. Un programa con repertorio 100% Ruso, integrado por tres de las mas colosales obras de su patrimonio musical, del que, a priori, uno piensa que se hallan con frecuencia en los atriles ,  y la incógnita de saber como respondería la solista. Razones mas que suficientes para concurrir.

  El ataque inicial del conjunto en la Obertura de “Ruslan y Ludmila”, prometía brillo orquestal y una correctísima versión. Nos quedamos con la promesa, ya que luego de la exposición del tema inicial, los vientos no entraron a tiempo y en el “tempi” en que el resto venía haciéndolo, de acuerdo a los gestos de Lande, por lo que rápidamente la versión se desdibujó y alcanzaron solo el hito de llegar todos juntos al final. Los discretos aplausos del público luego de la interpretación, hablaron por sí solos.

  Por lejos,  lo que hizo que valiera la pena concurrir fue la actuación de la China Xiayin Wang, con una muy buena interpretación del Concierto para Piano y Orquesta Nº 2 de Rachmaninoff. La progresión y el “Crescendo” de la introducción solo reservada al solista fue abordada con un carácter y una fuerza interpretativa que solo en mi memoria  auditiva puedo ubicarlas en dos argentinas: Elsa Púppulo y Martha Argerich (en ese orden). Mostró sorprendente desenvoltura, magnífico sonido que en ningún momento fue absorbido por la masa orquestal, aún en los pasajes de bravura, como la parte de piano que se desarrolla mientras el conjunto interpreta nuevamente “Tutti” el tema principal y un desempeño individual irreprochable en el muy lírico segundo movimiento, en donde el solista de clarinete tuvo también su “gragea” de lucimiento. El acompañamiento general fue a lo Lande, criterios de uniformidad en los “Tempi”, falta de ideas (sobre todo en lo que a “canto” Orquestal se refiere y que solo la perseverancia de esta interprete que de muy buena manera se nos reveló, hizo que la versión no pase a caer rápidamente en el olvido). La Solista respondió a la justa cosecha personal de aplausos con una muy simpática composición China que deleitó a los presentes.

  El cierre le cupo a una pobre versión de “Scheherazade” de Rimsky-Korsakoff, en donde llamativamente el orgánico orquestal se mostró demasiado ajustado (Dos trompetas, dos trombones, cuatro percusionistas que se desdoblaban en su trabajo [sobre todo en el cuarto movimiento]), nuevamente una línea uniforme en los “Tempi”, lo que hizo que fuera una de las versiones mas veloces que Yo recuerde. Mientras lo normal va desde los 55 a 70 minutos, aquí se hizo en 48. Un Concertino solista que no tuvo parejo desenvolvimiento (hubo desafinaciones y pífias). En fin, esa fue la respuesta a mi inquietud y es que, lamentablemente se acomodaron demasiado rápido al nuevo titular. Solo percibí algunos vestigios expuestos en pasajes de las obras abordadas en los que se tuvo la impresión que otrora hubo amalgama “Alla Rusa” de verdad. Demasiado poco.

  Hubo dos bises, ambos de Shostakovich para ballet. Un “Tango” y una marcha, muy bien expuestos y con toda la parafernalia orquestal que el compositor exige. Demasiado escaso. Y bien, entonces, si se supo lo que se buscaba al convocar a Lande, los resultados surgen a la vista y a los oídos y por ello, tienen el Director que se merecen.

Donato Decina

EL MAS JUSTO HOMENAJE

 Orquesta Filarmónica de Buenos Aires: Programa monográfico integrado por obras de Alberto Ginastera al conmemorarse el centenario de su nacimiento. Director:  Enrique Arturo Diemecke. Solista: Pablo Diemecke (Violin). Obras Escuchadas: “Obertura Para El Fausto Criollo”,Op.9; Concierto para Violín y Orquesta,Op.30; “Variaciones Concertantes”,Op.23; Danzas del Ballet “Estancia”,Op. 8 A. Teatro Colón, 14/04/16.

   A tres días después de cumplirse el Centenario de su Nacimiento, la Filarmónica de Buenos Aires realizó un concierto monográfico para honrar la memoria de Alberto Ginastera. La elección del repertorio abordado pretendió abarcar los tres períodos en los que se apoya su producción musical: Nacionalismo, Expresionismo y Dodecafonismo.  No puede dejar de señalarse que los títulos seleccionados representan cabalmente a esos perídos y que Diemecke y la Filarmónica cumplieron a la perfección el objetivo de esta fecha de abono. A contramano de lo que muchos han sostenido en estos últimos días, el contar con casi las tres cuartas partes de la sala ocupada para la audición de música argentina, mas allá de tratarse de Ntra. Máxima figura, alienta a fomentar la inclusión de mas repertorio nacional, el que en los últimos tempos se aborda en cuentagotas.

                                                                                          

 Tal vez lo mas discreto de la noche haya sido la versión escuchada de la “Obertura para el Fausto Criollo”, Op. 9, con un comienzo  bastante accidentado en donde la formación orquestal exhibió algunos desacoples, con lo cual el destiempo que los sectores afectados exhibieron, se fue corrigiendo con el correr de la interpretación. Luego fue el turno del “Concierto para Violín y Orquesta”, del Op. 30, oportunidad que produjo la “reentree” de Pablo Diemecke en los conciertos de la Filarmónica. Al igual que en el Concierto de Carlos Chavez, el violinista mexicano mostró técnica muy pulcra,  sonido amplio y momentos de mucha valía en los pasajes de mayor dificultad técnica, teniendo en cuenta que en todos los tiempos que la obra tiene, el compositor parte de citas de los caprichos de Paganini, junto a una Orquesta que bajo la guía de su hermano, respondió de la misma forma, logrando entre todos construir una magnífica versión. Fue gratificante percibir el profundo silencio que el público produjo para recibir esta interpretación.  El aplauso sostenido con que se recibió el trabajo, rubricó lo expresado anteriormente.

  La segunda parte comenzó con la que a mi juicio, fue la obra mas lograda en toda la noche y se trató de las “Variaciones Concertantes” del Op. 23. La orquesta aquí ofreció una interpretación profunda y muy sentida. Diemecke (Director), logró plasmar en su concertación toda la paleta de color que Ginastera marca en su trabajo y un “canto” Orquestal pleno. El momento mas tocante fue en la Variación nº 12, ya que previamente, el Director anunció el fallecimiento de Luís Tauriello, integrante de la fila del citado instrumento y aprovechando que esa Variación es la previa al tema principal retomado por el “tutti” orquestal, se llevaría a cabo un silencio mas lago a su memoria.

  Y el cierre, bien a lo Arturo Diemecke, le cupo a la suite de cuatro danzas del Ballet “Estancia”,  ya que se ofreció con la inclusión del fragmento de “Los Peones de Hacienda”, que pocas veces se aborda al interpretarse estas danzas en concierto. Fue las mas “Argentina” de las versiones hechas por el conductor mexicano a lo largo de estos años de trabajo entre Ntros.,  y por supuesto fue el puntapié para hacer gala de toda su reconocida “pirotecnia gestual”, esa que levanta al público y lo hace ovacionar como al final del “Malambo”. Aunque esté programada para mas adelante, la “Pampeana Nº 3” debió haber estado también en los atriles. Este “Pezzo Grosso” de Ntra. Música, no puede ser ignorado y es una obra “capital” de toda la producción Ginasteriana. Mas allá de ese detalle, fue una gratísima noche con un muy satisfactorio resultado.

Donato Decina

 TODO A MITAD DE CAMINO

Teatro Colón, Temporada 2016: “Don Giovanni”, Opera en dos actos, Libreto: Lorenzo Da Ponte, Música: Wolfang Amadeus Mozart. Intérpretes: Erwin Schrott (Don Giovanni), Simone Orfila (Leoporello), Paula Almerares (Doña Anna), María Bayo (Doña Elvira), Jonathan Boyd (Don Ottavio), Jaquelina Livieri (Zerlina), Mario de Salvo (Masetto), Lucas Debevec (Comendador). Coro Estable del Teatro Colón, Director: Miguel Martínez. Escenografía: Daniel Blanco, Iluminación: José Luís Fiorruccio, Vestuario: Renata Schussheim. Orquesta Estable del Teatro Colón: Director: Marc Piollet. Puesta en escena: Emilio Sagi, Teatro Colón, 05/04/16.

  No cabe duda que en cada nueva puesta de “Don Giovanni” se crea una lógica expectativa, dada su trama, las situaciones de comedia que se presentan, la visión del concertador y, por supuesto, la prestación de los intérpretes vocales. Después de presenciar el estreno, debo reconocer que en un punto salí defraudado, dado que una vez mas hubo un tropiezo en lo que es el talón de Aquiles de esta joya de la música y es el sostener en acción y en los tiempos musicales el segundo acto que es el que desata el drama en si mismo.  Mas aún, luego de un arranque promisorio, con una obertura muy bien expuesta, tanto en intensidad como en color musical y un ágil primer cuadro, lentamente comenzó a aletargarse el discurso, hasta que al llegar en el segundo acto, a partir de la serenata que “Leoporello”, vistiendo la indumentaria de su patrón, le ofrece a Doña Elvira, dicho letargo comenzó a acentuarse mas, hasta tornarse en un final muy difícil de soportar, llegando a momentos verdaderamente soporíferos. ¿Causas?, en ambas puntas. La escénica, en donde si bien Emilio Sagi quiso llevar la acción a la España de la primera mitad del siglo veinte, lográndolo muy bien y no afectando en lo mas mínimo la esencia de la historia, en ese difícil segundo acto, no logró  plasmar una escena lo suficientemente ágil, faltando a mi juicio, una pizca mas de “chispa” que enganchara definitivamente al público. Tampoco logró convencerme la alegoría del final, hecha a base de una farsa tomada de la recordada serie cómica “Los Locos Adams”, en donde en el momento de la cena, la parte decisiva en la que el Comendador le pide al protagonista que le brinde su mano, el “Convidado de Piedra” fue caracterizado como una mano que surge por debajo de la mesa, lo que inmediatamente me llevó a recordar al personaje de “Dedos”, de la recordada serie norteamericana. Cuando “Don Giovanni”  padece su final, queda extendido sobre la mesa en la que la cena ha transcurrido, y la moraleja del “burlador burlado”, se expresa cuando el resto de los personajes de la obra le desmenuzan sobre el cuerpo exánime una torta que está en la mesa, casi al estilo de los “tortazos” que los inolvidables “Tres Chiflados”, utilizaban en sus películas, por lo que estos recursos ultra remanidos no hacen mas que exhibir la limitación de ideas con la que escénicamente se resolvió la puesta. En cuanto a la parte musical, Marc Piollet, careció de ideas y no pudo sostener el discurso musical. La combinación de ambos factores, llevaron, sin dudas, al resultado por mi expuesto en los párrafos anteriores, por lo cuál una vez mas, el Colón quedó a mitad de camino en el objetivo y “Don Giovanni” sigue siendo, como en los últimos tiempos, una asignatura pendiente para la sala de la calle Libertad. Para dar adecuado marco a la propuesta visual, la escenografía de Daniel Blanco, la iluminación de José Luís Fiorruccio y, sobre todo, el excelente vestuario de Renata Schussheim, expresaron en el punto justo, las ideas del “Regista”.

  Pasando a lo estrictamente vocal, Erwin Schrott dio vida al protagonista. Tuvo presencia escénica, desenvoltura y vocalmente tuvo mucho oficio. De todos modos, todo ello no fue suficiente para convencer en el rol. Simone Orfila trazó un “Leoporello” muy correcto,  que terminó por ser el que mas convenció, por sus dotes histriónicas y su voz muy bien colocada. “Madamina Il Catálogo e Questo”, tuvo, dada su muy buena prestación,  a un interprete mas que adecuado. Paula Almerares cantó con solvencia su “Doña Anna”, aún cuando en lo actoral el Regista no pudo evitar corregirle muchos de sus  conocidos “tics”. María Bayo resolvió con oficio su intervención, pero ya aborda a “Doña Elvira” en una etapa en la que su carrera transita un tramo final y eso se notó. Supo esquivar los momentos difíciles que la partitura tiene en su rol, pero para ese personaje, con oficio solamente no basta. Jonathan Boyd tuvo un rendimiento desparejo. Mientras su “Dalla sua pace” fue lo que desató los aplausos mas sostenidos de la noche, “Il Mio Tesoro” lo mostró “diluido” dentro de la escena, acaso como sumándose a ese letargo al que hago referencia que ocurrió en el segundo acto. Jaquelina Livieri (Zerlina) y Mario de Salvo (Masetto), aparecieron en sus roles algunos escalones mas abajo que el resto. Si bien son dos reconocidos valores de Ntro. Medio, Ella con juventud, frescura y promisoria carrera y El, ya con mucho mas aplomo y varios roles secundarios de valía en el escenario del Colón, en las intervenciones de ambos se notó una diferencia sustancial respecto al resto del elenco y en una sala como la de Ntro. Primer Coliseo se evidencia mucho mas. Quienes arman los elencos para un abono que se cotiza a valor internacional, deberían tomar nota de todo esto, los desbalances se notan. Lucas Debevec trazó con corrección a su “Comendador”, transitando por carriles normales. El Coro, preparado por Miguel Martínez, tuvo una correcta participación.

  Abrir una temporada con un Título capital de la historia de la ópera, es un interesante desafío. Se puede acertar o no, aquí ocurrió esto último. Esta experiencia debe servir para ajustar criterios y detalles, capitalizar las falencias y no repetir errores.

Donato Decina

NUOVA HARMONIA COMENZO LOS FESTEJOS DE LA TRIGESIMA TEMPORADA A LO GRANDE

“Nuova Harmonía”: Actuación de la “Capella Istropolitana”, Concertino y Director: Robert Marecek. Solista: Angélika Kirschlager (Mezzosoprano).Programa: Franz Schubert: Sinfonía Nº 3 en Re mayor D.200. Cuatro Canciones: “Im Frühling”, “Der Lindenbaum”, “Erlkönig”, “Ave María”. Johann Strauss (H): Obertura de “Die Fledermaus”, Wiener Blut, “Ich lade gern mir Gäste ein” de “Die Fledermaus”, “Schwips Lied” de “Eine Nacht in Venice”. Robert Stolz: “Du sollst der Kaiser meiner Seele Sein” de “Der Favorit”, “Im Prater blühn wieder die Bäume”. Richard Heuberger: “Komm mit mir ins Chambre Separée” de “Der Opernball”. Rudolf Sieczynski: “Wien, Wien nur du allein”. Teatro Coliseo, 08/04/16.

  Nunca mas acertado aquel fragmento de Alfredo Le Pera de “Volver”. No serán veinte años, pero son nada menos que treinta temporadas consecutivas, que comenzaron a desarrollarse a partir de la recordada “Italiana ‘86”, la que dió paso a “Harmonía”, luego transformada en “Nuova Harmonía”. Artistas de excepción que prestigiaron sus ciclos: Zubin Mehta, Gary Bertini, Gianandrea Gavazzeni, Gil Shaham, Pinchas Zukerman, Julio Bocca, Vladimir Askenazy, Alberto Lysy, Renaud  Capucon, Leonard Slatkin, Christoph Eschembach, Krystof Penderecki, Nelson Göerner, Uto Ughi, Salvatore Accardo, entre tantos. Orquestas como la del “Maggio Musicale Fiorentino”, Filarmónica del Teatro Alla Scala de Milán, Deutsche Symphonie de Berlín, Sinfónica de Bamberg, Sinfónica de la Radio de Hamburgo, Filarmónica de Rotterdam, la desaparecida RAI de Roma. Conjuntos de Cámara como el Quinteto de Arcos del Teatro Alla Scala de Milán. Ballets como el de Ana María Stekelman, Luisillo de España y tantas otras manifestaciones que marcan un rumbo definido y que en semejante marco encontraron correlato con una apertura de temporada acorde a tan significativo acontecimiento.  El retorno a Buenos Aires de la “Cappella Istropolitana” de Bratislava, convocada para reemplazar a la “Camerata Bern” inicialmente programada, y la presencia de Angelika Kirschlager, la extraordinaria mezzo-soprano Austríaca, lo que dio como resultado una muy buena asociación artística de ambas partes y momentos de absoluto magnetismo tanto de la cantante como de la propia orquesta. “Nuova Harmonía” puede entonces sentirse plenamente satisfecha con semejante envión para iniciar los festejos. La Cappella Istropolitana es un muy disciplinado conjunto, guiado con plena sabiduría  por Robert Marecek desde el primer Violín. En todo momento mostro ajuste, buen empaste, muy buen sonido e instantes de gran altura, como por ejemplo en los movimientos centrales de la Tercera Sinfonía de Schubert, poco transitada en los programas de concierto en Ntro. Medio. Una magnífica versión de la obertura de “Die Fledermaus”, donde en ningún momento se notó que era interpretada por un conjunto camarístico y se tuvo la sensación de encontrarse asistiendo imaginariamente a una función de algún pequeño teatro vienés con la pequeña Orquesta en su foso. Vale lo mismo la mención para “Wiener Blut”, el celebérrimo Vals, magníficamente expuesto. Pero vayamos ahora al motivo principal de este comentario y es la nueva presentación de Angélika kirschlager.

  Verdaderamente se puede expresar, al menos de mi parte, que si para la gente del tango Nelly Omar era la “Gardel con Polleras”, Angélika Kirschlager es, sin dudas, la “Fischer Dieskau con Polleras”. Inmensa categoría, dueña de todos los recursos imaginables. Sentimiento, Enfasis, Voz Magnífica, Presencia, Expresividad. Mas allá de que no se menciona en el programa de mano el origen de los arreglos para el conjunto, una versión como la de “Erlkönig” (El Rey de los Alisos), no volverá a escucharse en mucho tiempo en semejante nivel. Fue sencillamente un sacudón, lo que el público experimentó luego de escuchársela. Mientras que “Im Frhüling” y “Der Lindenbaum”, fueron preparando el clima previo,  y una soberbia, sentida y muy intima versión de “Ave María” remató con acierto la primera parte.

  Además de las dos páginas instrumentales anteriormente comentadas, el repertorio incluyó fragmentos de Operetas y canciones para registro de Mezzosoprano. Kirschlager aquí se soltó por completo y dio rienda suelta a todas sus condiciones interpretativas. Fue un floreo absoluto en donde resaltamos “Ins Chambre Separee”, con un clima intimo magnífico, “Ich lade  gern mir Gäste ein”, la celebre intervención del Príncipe Orlofsky de “Die Fledermaus” y una soberbia interpretación desde lo actoral y lo vocal del “Schwips Lied” de “Una Noche en Venecia” en donde un instrumentista ingresó, servilleta en mano (aprovechando su Frac como vestimenta,  lo que le daba aspecto de mozo de la “Belle Epoque”), para ofrecerle un vaso que simulaba ser la copa de bebida alcohólica y darle el pie para la simulación del estado de embriaguez y a partir de ahí construir una versión memorable, la que contó con la complicidad del Concertino que le ponía el hombro para simular que evitaba la caída al piso. El cierre le cupo a una sentida interpretación de “Viena Ciudad de mis Sueños”, como para resaltar el afecto por la cuna del género.

  El acierto en la elección de estos interpretes, puso de manifiesto el poner toda la carne en el asador para celebrar un aniversario tan importante. Ojalá que el resto de la temporada mantenga el mismo nivel.

Donato Decina

MUSICALMENTE CERCENADA Y VISUALMENTE SIN IDEAS

Teatro Colón, Temporada 2016: “Beatrix Cenci”, Opera en dos actos y catorce escenas. Música: Alberto Ginastera. Libreto de William Shand, basado en las “Crónicas Italianas” de Stendal , “Los Cenci” de Percy Shelley y aportes de Alberto Girri. Interpretes: Mónica Ferraacani (Beatrix Cenci), Víctor Torres (Conde Francesco Cenci), Alejandra Malvino (Lucrezia), María Florencia Machado (Bernardo), Gustavo López Manzitti (Orsino), Mario de Salvo (Andrea), Alejandro Spies (Giacomo), Sebastián Sorrarain-Ivan Maier-Víctor Castells (Tres Invitados), Alejandro Escaño Manzano (Olimpio), Ernesto Donegana (Marzio). Coro Estable del Teatro Colón, Director: Miguel Martínez. Escenografía y Vestuario: Oria Puppo, Iluminación: David Seldes, Proyecciones: Maxi Vecco. Dirección de Escena: Alejandro Tantanian. Orquesta Estable del Teatro Colón, Dirección Musical: Guillermo Scarabino. Función del 18 de Marzo de 2016.

    Y la lírica volvió a la sala de la calle Libertad. Pero de forma inexplicable, al igual que la puesta del doble programa Dallapícola, “Beatrix Cenci”, con la que se pretendió iniciar la serie de homenajes a Alberto Ginastera al cumplirse el centenario de su nacimiento, ha quedado afuera de los títulos de abono que integran la presente temporada. Se aumentan los títulos, pero el abono sigue integrado por siete. ¿Por qué?.

  También resultó inexplicable el cercenamiento hecho sobre la partitura. El largo monólogo de la protagonista  quedó reducido a las frases del final. Dio la impresión que por supresión o producto de la muy floja labor escénica del Regísta,  de la que mas adelante me referiré, también el rol del Conde Francesco quedó muy desdibujado.

    Sin lugar a dudas uno de los pilares mas sólidos de la representación fue la labor de la Orquesta Estable, dirigida de manera magnífica por Guillermo Scarabino. Labor sin fisuras para una escritura musical contundente, que no da respiro alguno. Pocas veces se la ha escuchado a la Estable en los últimos tiempos de una manera tan homogénea. Y en el plano Vocal, Mónica Ferracani, después de haberla estrenado hace veinticuatro años, volvió a darle vida a Beatrix, solo que esta Ferracani, mas experimentada y con sólidos recursos vocales y actorales, termina imponiéndose, logrando una actuación sobresaliente. Junto a Ella, Alejandra Malvino en el rol de Lucrezia (Madrastra de la protagonista), tuvo una lucida actuación, reflejando las atribulaciones por las que su personaje pasa en escena. Gustavo López Manzitti fue un muy eficaz Orsino, al que la marcación actoral no pudo resolverle momentos de mucha intensidad, como el de la fuga de su personaje previo al desenlace de la obra. Bienvenido sea el debut de Alejandro Spies como Giacomo, uno de los hermanos de Beatrix. Al fin el Colón reparó en El para la sala mayor. Su voz corrió por toda la sala, su dicción fue clara y estupenda. Su actuación otro tanto. Que sea el punto de partida para mas y muy buenas intervenciones suyas. María Florencia Machado, tuvo correcta participación en el rol de Bernardo, de la misma manera que Ivan Maier, Sebastian Sorrarain y Víctor Castells como los invitados al la fiesta. Flojas en cambio las actuaciones de los actores Alejandro Escaño Manzano como Olimpio y Ernesto Donegana como Marzio, que no impactaron como los asesinos pagados de Francesco. Me reservé para el final a Víctor Torres como el siniestro Conde Cenci. No fue su actuación mas lograda. Es mas, no entiendo el porque de aceptar un rol que de ninguna manera está a tono con su voz. Súmesele una caracterización un tanto “light”, aligerada en dramatismo,  y la ecuación no cierra por ningún lado. Y acertar a medias, es perder mucho de lo que la obra pide para su rol.  El Coro Estable cumplió una penosa labor. Desajustado, sin preparación acorde al compromiso, lo que llevó a que el final sea cantado partitura en mano cuando ya llevaban al menos un mes de la vuelta al trabajo y otros veinte días desde el final de “Parsifal” el año pasado hasta fin del mismo año. Se extraña y mucho la “Línea Burian”. Nunca mas se lo volvió a escuchar así.

    Visualmente, la puesta de Tantanian no cierra por ningún lado. Sobrecarga de sexo, a tal punto que el exceso de hombres desnudos paseando su virilidad por el escenario termina agrediendo al espectador. Situaciones de orgía desenfrenada, cuando lo que debía reflejarse era la corrupción, perversión y el sadismo de un padre con su hija y su segunda esposa y la complicidad de las autoridades de la época que conociendo el trasfondo, se hacían los distraídos. Para la época en que está situada la acción (El ml quinientos del pasado milenio), las Orgías Romanas eran cosa de un pasado ya por ese entonces remoto. También el usar de marco, el patio de Ntro. Palacio de Tribunales, en una época que por vestimentas usadas puede situarse entre los años treinta y cuarenta de la pasada centuria, quitó mucho de intimidad, e impidió graficar la atmósfera opresiva que la obra plantea. Además el dejar, deliberadamente o no,  un espacio abierto en ambos lados entre boca de escenario y escenografía propiamente dicha, distrajo aún mas a los espectadores,  por lo que me hace pensar en que si no ha sido mas un reflejo de pensamientos personales que el ceñirse a la historia, lo que plasmó en escena.

    Por lo tanto, el balance que me corresponde hacer de acuerdo a lo que vi, es el de una obra que ha sido ofrecida de manera cercenada en lo musical y pobrísima de ideas en lo visual. Los aciertos vocales y el desempeño de la orquesta, no alcanzan a compensar un resultado aceptable. Es de esperar que el resto de la programación de las obras de Ntro. Máximo compositor, sean ofrecidas  en mejor forma, como también se salde la deuda de reponer “Don Rodrigo”. La memoria de Alberto Ginastera lo merece.

Donato Decina

PLENITUD SOLO EN GRAGEAS

LENITUD SOLOEN GRAGEASTeatro Colón: Ciclo de Seis sinfonías de Piotr I. Tchaickovsky, a cargo de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Director: Enrique Arturo Diemecke. Sesiones Presenciadas: Nº 1: Sinfonía Nº 1 “Sueños de Invierno” en Sol menor Op. 13, Obertura “1812” (01/03/16). Nº2: Sinfonía Nº 2 en Do menor Op. 17 “Ucrania” (“Pequeña Rusia”), Sinfonía Nº 3 “Polaca” en Re mayor, Op. 29. (02/03/16). Nº 4: “Francesca da Rimini” (Fantasía Sinfónica), Op. 32, Sinfonía Nº 5 en Mi menor Op. 64 (04/03/16).

  Realizar las Sinfonías de Tchaickovsky es todo un  desafío en si mismo. Hacerlo de corrido en cinco días también. Pero algunos detalles puntuales tienen, al menos, aristas cuestionables. Bienvenido sea que luego de treinta y tres años, la Filarmónica en su actual estado la encare. La integral anterior a cargo de Yuri Simonov, se realizó a razón de dos sinfonías por semana,  intercalando una del primer período con una de la trilogía final, además de incluir la sinfonía “Manfredo” y la Serenata para Cuerdas, que debieron ser acometidas por Pedro Ignacio Calderón (Por entonces titular de la agrupación en su segundo período al frente de la misma), ya que el conductor ruso debió volver de emergencia a Moscú por un llamado del Teatro Bolshoi. En esta oportunidad, “Manfredo” quedó inexplicablemente afuera, las sinfonías se desarrollaron de manera correlativa y se incorporaron obras orquestales con un orden en algunos casos cuestionable (Por ejemplo, cerrar con la Obertura-Fantasía “Romeo y Julieta” tras interpretar la “Patética” en el cierre del abono, al que por hacerse mientras estábamos al aire cerrando el ciclo Zarzuela, me fue imposible concurrir). También resultó cuestionable la decisión del Director Mexicano de efectuar cortes en el primer y tercer movimientos de la sinfonía Nº 3, de la misma forma que en la versión ofrecida de “Francesca da Rimini”, la que fue atribuída a Yevgeni Svetlanov (Diemecke dixit), algo que el Director Ruso precisamente no hizo al interpretarla en su primera visita a la Argentina, traído en 1989 por “Harmonía”. Entonces, aclarado esto, me cabe decir que de las tres sesiones por mí presenciadas, las dos primeras tuvieron desarrollo sumamente irregular. Con un conjunto que no rayó en la excelencia a la que nos tiene acostumbrados, para responder a la expectativa creada en la interpretación de la trilogía inicial de sinfonías. Faltaron mayor profundidad y mayores matices en todas. Solo momentos de excelencia por parte de algún instrumento solista y algún pasaje de conjunto mejor subrayado por el Director. La única interpretación absolutamente rescatable de los dos primeros conciertos fue la Obertura “1812” que cerró la primera noche. Ajuste, percusión maravillosamente controlada y magnífico sonido del conjunto. Hasta el sonido grabado de los cañonazos fue expuesto con justeza.

  De la sesión restante a la que asistí, lamento mucho la versión cercenada de “Francesca da Rimini”. El vuelo interpretativo demostrado por el conjunto y la brevedad del programa ofrecido, hacen mas inexplicable aún la inclusión de la versión con cortes. El resarcimiento a todo lo anteriormente expuesto fue la electrizante y arrolladora versión de la Sinfonía Nº 5, que valió por todo el ciclo. Homogeneidad del sonido y homogeneidad del discurso orquestal, matices, sentimientos, maravillosas intervenciones solistas, vuelo, que provocaron una solida construcción que rayó a gran altura, arrancando una intensa ovación que llevó a los interpretes a bisar la Coda final, tan lograda como la sinfonía toda.

  Lástima que solo fueron grageas. Orquesta y Director demostraron en el último concierto al que asistí que pueden brindar mucho mas.

Donato Decina